Trata-se da primeira grande mostra do artista na Ásia e de uma das maiores já realizadas no exterior, inserida no cntexto do Ano Cultural Brasil-China 2026. A escolha do Museu Nacional da China reforça a relevância da iniciativa. Localizada na Praça Tiananmen, a instituição figura entre os museus mais visitados do mundo e deve receber cerca de 4 milhões de visitantes durante o período.

A exposição é resultado de mais de 40 anos de trabalho do Projeto Portinari, criado pelo filho do artista, João Candido Portinari, com a missão de localizar, catalogar e preservar a obra do artista. Nesse período, foram identificadas mais de 5 mil obras e reunido um vasto acervo com telas, estudos preparatórios e documentos que evidenciam a potência de uma produção que atravessa o tempo.

Para viabilizar essa iniciativa, foi necessária uma operação de grande escala. Levar esse conjunto à China exigiu uma operação logística complexa e altamente especializada, com rigorosos protocolos internacionais de conservação, controle de temperatura, umidade e segurança, além de acompanhamento técnico contínuo. A articulação envolveu instituições brasileiras e chinesas em uma ação de alto nível diplomático, evidenciando o grau de maturidade e reconhecimento internacional do patrimônio artístico brasileiro.

A mostra integra a programação do Ano Cultural Brasil–China 2026, iniciativa bilateral estabelecida pelos governos de Xi Jinping e Luiz Inácio Lula da Silva no âmbito da Declaração Conjunta sobre a Comunidade de Futuro Compartilhado Brasil–China. A ação dá continuidade às celebrações do cinquentenário das relações diplomáticas entre os dois países, comemorado em 2024, e reforça os laços de cooperação cultural, econômica e institucional entre Brasil e China.

O Brasil de Portinari conta com patrocínio master da Petrobras, patrocínio da Pátria Investimentos e incentivo do Governo do Brasil, por meio dos Ministérios da Cultura, das Relações Exteriores e da Embratur, viabilizado pela Lei Rouanet. A exposição é uma iniciativa de alto nível diplomático, fruto do papel institucional do Projeto Portinari (ACCP) na preservação e democratização global deste legado, do Ministério da Cultura e do Governo do Brasil, em parceria com o Instituto Brasileiro de Museus (Ibram) e o National Museum of China. O projeto conta ainda com o apoio do escritório Veirano Advogados.

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Debret em questão se organiza em duas partes. A primeira apresenta 35 pranchas litográficas provenientes da obra  Voyage pittoresque et historique au Brésil impressa em Paris entre 1834 e 1839. O artista recusa a representação idílica e, em vez disso, assume uma postura quase antropológica, que observa e descreve o cotidiano com minúcia e senso crítico. Na época, o conjunto foi rejeitado pelo governo brasileiro na época por retratar a violência da sociedade escravista no Rio de Janeiro, então capital do Império.

Em seguida, o visitante encontra as releituras contemporâneas, que retomam essas imagens como campo de disputa simbólica e de reescrita histórica, com trabalhos de artistas como Gê Viana, Dalton Paula e Isabel Löfgren & Patricia Goùvea. Foram incluídas obras inéditas de Jaime Lauriano e Rosana Paulino.

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Em Debret em questão, o público encontrará recursos multissensoriais de toque, como dioramas — reproduções tridimensionais de uma obra —, mesas com placas visutáteis e textos em braille e alto-relevo. Legendas, Libras e audiodescrição também estão presentes e acompanham as instalações de vídeo.

Um dos destaques é a caixa de som que permite sentir a vibração do samba-enredo da Salgueiro, parte sonora de uma das salas dedicadas ao fotógrafo Marcel Gautherot.

Fotos: Helio Nobre

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A mostra foi inspirada no livro Letters to Memory (2017), da escritora nipo-americana Karen Tei Yamashita, e propõe uma reflexão profunda sobre os vestígios da história e os fantasmas do presente. Por meio de pinturas, fotografias, vídeos, instalações, documentos e cartazes, a mostra revisita episódios de repressão, deslocamento e resistência vividos por comunidades asiáticas no Brasil, nos Estados Unidos e em países da América Central.

Esses temas permeiam o conjunto de obras expostas, propondo um percurso histórico e artístico que ressalta como os séculos XX e XXI foram marcados por guerras e crises políticas, que promoveram movimentos migratórios de diversos países do leste e sudeste asiático em direção às Américas, e consequentemente seus desdobramentos na experiência das comunidades e em suas construções identitárias. 

Entre os artistas participantes, estão obras de do americano de ascendência chinesa, Corky Lee (1947–2021) que apresentam o cotidiano, as celebrações, as manifestações e lutas por direitos civis e justiça social das comunidades asiáticas nos Estados Unidos; os cartazes revolucionários, do artista gráfico cubano René Mederos (1933-1996), produzidos a partir de suas visitas ao Vietnã; um filme do vietnamita Tuan Andrew Nguyen (1976), que mistura registro documental e linguagem mítica ao revisitar uma ilha de refugiados de guerra no Sudeste da Ásia.

A mostra também apresenta quatro projetos inéditos das artistas Caroline Ricca Lee, Tais Koshino, Alice Yura e Lina Kim, que investigam histórias de enclaves étnicos e trajetórias migrantes nas Américas e na Ásia.

Fotos: Ronny Santos

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Pesquisa realizada pelo Institute for the Future aponta que 85% das profissões que existirão em 2030 ainda nem foram criadas. “A velocidade e a sofisticação das inovações tecnológicas são responsáveis por este percentual que desafia o presente a imaginar como será o futuro do trabalho e das profissões. As transformações nas profissões não ocorrem de maneira linear nem homogênea. Alguns marcadores regionais e sociais definem muito do que cada um ‘vai ser quando crescer’”, afirmam André Couto, Maria Carla Corrochano e Paulo Pontes, que assinam a curadoria.

Na exposição, fica claro que as transformações não ocorrem de forma igualitária — gênero, raça, classe, território e escolaridade seguem ditando quem acessa determinadas profissões. Em tempos de avanços tecnológicos e desafios globais como as mudanças climáticas e as pandemias, o trabalho se torna cada vez mais imprevisível — mas também repleto de novas possibilidades.

Acessível e provocativa, a mostra articula passado, presente e futuro, a partir de dados, experiências reais, interações digitais e conteúdos informativos sobre profissões que estão desaparecendo, se reinventando ou nascendo diante de novas tecnologias e modos de vida.

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Com coordenação museológica e produção da Expomus e curadoria da historiadora de design Adélia Borges, o projeto reuniu 930 itens adquiridos ao longo de décadas, desde meados de 1960, nos estados do Rio Grande do Sul, Santa Catarina e Paraná, produzidos por imigrantes europeus no sul do Brasil entre a segunda metade do século 19 e o início do século 20. 

A coleção representa o imaginário social e o dia a dia de imigrantes alemães e italianos e revelam aspectos pessoais do universo doméstico de pessoas que buscavam construir uma nova vida. As obras conjugam as lembranças, as técnicas e os costumes trazidos pelos imigrantes de sua terra natal, de um lado, e as condições e materiais que encontraram na terra de adoção, de outro.

Dividida em dez núcleos temáticos e uma sala de vídeo, a exposição foi pensada para enfatizar a beleza e o design de peças que não foram criadas para a elite, mas sim para pessoas comuns, que contribuíram com a formação de uma memória coletiva baseada em trocas culturais. Ao entrar em contato com a coleção, o público poderá reconhecer elementos que talvez façam parte de suas próprias histórias. Essa identificação acontece porque, por ser cotidiano, o acervo pode ganhar significados pessoais para cada visitante.

Uma parte da coleção foi apresentada na mostra Artefatos do Sul – Legados da Imigração Alemã e Italiana, realizada em 2024, em Porto Alegre, em celebração aos 200 anos da imigração alemã no Rio Grande do Sul e aos 150 anos da imigração italiana no Brasil. A exposição teve seu encerramento antecipado devido às enchentes que atingiram o estado.

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O conjunto de peças foi organizado de forma a transmitir informações e sensações sobre uma
produção artística bastante peculiar. Esse universo não é perfeitamente traduzível em palavras; são janelas que se abrem para outro mundo, com telas, instalações e murais em espaços urbanos, que brincam com a imaginação dos visitantes, coletiva ou individualmente.

A exposição atraiu mais de 833 mil visitantes no CCBB Rio de Janeiro, entre outubro de 2022 e
janeiro de 2023, contribuindo para que a instituição entrasse na lista das 100 mais visitadas de 2022 do site The Art Newspaper. Depois, foi montada também no CCBB Belo Horizonte, onde ficou em cartaz de fevereiro a maio de 2023. Lá, recebeu o módulo inédito “Assim bordei meus sonhos”, dedicada à obra da mãe d’OSGEMEOS, Margarida Pandolfo.

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A exposição foi concebida a partir do acervo da Fundação Telefónica, um dos maiores acervos históricos da telefonia no Brasil. Em Tão Longe, Tão Perto, os visitantes tiveram a oportunidade de conhecer parte desse conjunto.

Entre os aparelhos telefônicos em exibição, destacaram-se o “Ericsson de parede”, de 1884, um dos primeiros modelos a chegar ao Brasil em escala comercial e o “Pé de Ferro”, de 1892, pioneiro por permitir que se falasse e ouvisse numa mesma peça. Havia, ainda, um fax utilizado em 1950, um videofone da década de 1970 e um dos primeiros modelos de celular, fabricado nos anos 1990. 

Entre os documentos históricos, foi apresentada uma seleção de revistas Sino Azul, uma pioneira publicação institucional da extinta Companhia Telefônica Brasileira (CTB), precursora da Telesp, que circulou de 1928 a 1989; reproduções de patentes de algumas das principais invenções tecnológicas; uma lista telefônica de 1911 de São Paulo, além de fotos históricas que registraram a rotina de trabalho de funcionários da CTB.

A curadoria da mostra foi realizada por Peter Alexander Bleinroth Schulz, doutor em Ciências pela Unicamp e pela Universidad Autónoma de Madrid, que atua como professor de graduação e pós-graduação em Física e é pesquisador na área de Física da Matéria Condensada.

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O post Herança do Sagrado: Obras-primas do Vaticano e de Museus Italianos apareceu primeiro em Expomus.

A exposição proporcionou um panorama detalhado e emocionante da pintura impressionista e pós-impressionista. Os artistas desse movimento do século XIX, surgido na França nos anos 1870, pintavam a partir de suas sensações e do contato direto com a paisagem, sem a preocupação com a fidelidade da imagem. Suas obras retratavam Paris sob diversos ângulos, da vida urbana ao sossego no campo.

Separados em seis módulos, foi possível conhecer grandes mestres consagrados da pintura francesa – três deles dedicados a apresentar a efervescência da vida moderna parisiense, com quadros de Pierre-August Renoir e Edgar Degas, por exemplo, e outros três que mostraram pintores que escaparam da agitação da cidade, como Vincent van Gogh e Claude Monet.

Sem dúvida, foi uma oportunidade única, em que os amantes da arte puderam conferir a diversidade de criação dessa época em uma exposição grandiosa, não apenas por seu valor histórico, mas também por sua importância artística.

Com curadoria do presidente e da curadora chefe do Museu d’Orsay, Guy Corgeval e Caroline Mathieu, e do diretor-geral do Instituto de Cultura da Fundación MAPFRE, Pablo Jiménez Burillo, a organização da mostra ficou a cargo da Expomus, escolhida pela própria direção do Museu d’Orsay e pela Fundación MAPFRE.

Impressionismo: Paris e a Modernidade teve o apoio do Ministério da Cultura, por intermédio da Lei Rouanet, e só foi possível graças à idealização da Fundación MAPFRE e do Museu d’Orsay, ao patrocínio do Grupo Segurador Banco do Brasil e MAPFRE, do Banco do Brasil e da BBDTVM, e ao apoio da Cielo e da Brasilprev, com promoção da rede Globo.

Com 886.226 mil visitantes, no CCBB SP (4/8/2012 a 7/10/2012) e no CCBB RJ (22/10/2012 a 13/1/2013), a exposição foi recordista de público na história do CCBB e conquistou 4 prêmios: Melhor exposição internacional, pela Associação Paulista dos Críticos de Arte – APCA; Melhor exposição de 2012, pelo O Globo; Melhor exposição de 2012 e Melhor evento do ano de 2012 pelo Guia da Folha – Júri Popular.

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